El adulto mayor y la estudiantina. Estudiantina Monserrate y su disco

Estudiantina Monserrate.

La Estudiantina Monserrate, promociona por estos días su primer trabajo discográfico homónimo Estudiantina Monserrate. Bajo la dirección de Julio Ernesto Santoyo, esta estudiantina adelanta un trabajo de difusión de la música andina colombiana en este formato desde hace más de tres años. Elizabeth Gonzáles, tiplista y Julio Santoyo, director de la estudiantina, hablan sobre la experiencia de pertenecer a una estudiantina de adulto mayor, de cómo se ve al adulto mayor dentro de estas agrupaciones, de los detalles del disco, entre otros temas. 

John J. Osorio.: ¿Cómo nace la Estudiantina Monserrate?¿De quién fue la iniciativa.

Elizabeth González: La estudiantina surge del grupo que hacía parte de la estudiantina de adultos de la academia Luis A. Calvo. Ahí estábamos muy bien pero anexaron la academia a la Universidad Distrital y el maestro (Julio Santoyo) dictaba clases allá y por el número de horas que dictaba él tuvo que salir de la Calvo (Academia Luis A. Calvo). En ese momento hubo un bache; pensábamos en si nos salíamos o nos quedamos e hicimos una propuesta de que si nos ponían otro director seguiríamos, pero pasó un mes y empezamos a hablar con Hernán Carrizosa y dijimos: lo mejor sería salirnos y conformar una estudiantina particular. Entonces nos reunimos para empezar a tocar pero en los primeros ensayos que hicimos eso parecía una pelea de gatos (sonríe); ahí dijimos: necesitamos un director, y fue cuándo llamamos al maestro Santoyo para que nos siguiera dirigiendo y lo contactamos y así empezamos. En un inicio la estudiantina se llamó Cuerdas Colombianas y luego el maestro nos pidió que hiciéramos una lluvia de ideas para ponerle nombre a la estudiantina y quedó Estudiantina Monserrate.

Empezamos con los mismos integrantes de los que estaban en la Calvo con otros nuevos. Algunos de los que estaban con nosotros en la Calvo no continuaron. Hay muchos que queremos mucho como: Faber Grajales, Aristides, Alirio, Rosita, pero ellos se retiraron; de los que estaban y que siguen están: Hernán Carrizosa, Clara Isaza, Blanca Torres, Inés Neira, Zilia Moreno; los otros son nuevos.

J. J. O.: La mayoría de los integrantes no son músicos de profesión ¿Cómo es el estudio y el montaje?

Julio Ernesto Santoyo: Si son músicos, yo veo que todos han hecho música siempre. Lo que pasa es que su formación ha estado muy fortalecida, en un principio, porque son personas que tienen otras profesiones y no se dedicaron solamente a la música. El noventa por ciento de los integrantes no son músicos profesionales, o no viven de eso.

En este momento hay dos compañeros que si son profesores de música en la licenciatura en educación artística de la Universidad Distrital, son jóvenes integrantes de la estudiantina. Los otros nueve integrantes son músicos, ellos han hecho música lo que pasa es que no venían con una formación desde temprana edad pero siempre han hecho música a nivel personal, algunos con unos cursos de más, otros menos. Han estado vinculados a entidades como la Luis A. Calvo o a otras instituciones.

Ya cuando empezamos a trabajar en conjunto nos dimos cuenta que podíamos orientar mejor todas esas ideas que tenían de la música. Nadie empezó de ceros, ya todos tenían conocimientos de música. Había falencias, evidentemente, unos en ritmo, otros en la forma de ejecutar un pasillo, pero todo eso se fue unificando bajo una dirección y hoy en día los resultados se están dando con ese disco y diferentes conciertos que hemos dado. A la gente le ha gustado mucho.

Simplemente no es una estudiantina con perfil profesional pero si con una fortaleza importante que hoy en día les permite tocar bien la música colombiana.

J. J. O.: Maestro, usted en los últimos años ha trabajado con el adulto mayor; además, realizó un trabajo de investigación sobre el adulto mayor en la estudiantina. Puede hablarnos un poco de eso.

J. E. S.: En la universidad (Distrital) a los profesores de planta se nos exige que estemos investigando de manera continua. Yo hice una investigación basada en las pedagogías que he venido trabajando con el adulto mayor e informándome de otras experiencias, que casi no hay. No hay  muchos trabajos con adulto mayor, no se ha profundizado en el tema, simplemente se hace como por diversión o distracción al adulto mayor. Entonces he tenido que implementar metodologías para que ellos puedan subir su nivel. Todo ese trabajo está en una investigación que se llama Pedagogías, estrategias y ambientes de aprendizaje para adulto mayor en modalidad de estudiantina. Es un trabajo muy interesante y se le otorgó una mención laureada…, gustó mucho el trabajo.

Ahí es donde realmente está todo el resultado y todo el proceso que hice yo con los integrantes de la Estudiantina Monserrate y los estudiantes de la academia Voces y cuerdas. Ahí  está el trabajo y la idea es seguir buscando otras temáticas para hacer otra investigación.

J. J. O.: ¿Cómo fue el proceso de grabación y cómo escogieron el repertorio que está en el disco?

J. E. S.: El repertorio se ha venido labrando a medida que la estudiantina ha venido trabajando. Nunca pensamos, desde que se inició el trabajo en la estudiantina, que el objetivo final fuera un disco; simplemente era aprender a hacer bien la música colombiana, aprender a interpretar mejor los instrumentos. Cuando vimos que podíamos hacer el disco pues ya teníamos un número de obras importantes y empezamos a concientizarnos de que para hacer el disco no había que abarcar tanto repertorio sino concentrarnos en unas obras muy especificas para poder montar el repertorio del disco.

La grabación se hizo en la Academia Luis A. Calvo gracias a la investigación que hice con la universidad que me abrió espacios para hacer el disco con este grupo de músicos. Hicimos la grabación allá y duramos prácticamente como unos seis meses trabajando, no le sumo a eso el tiempo que por cuestiones de mi trabajo no podíamos ir a grabar. La verdad fue de cuatro a seis meses, donde íbamos y grabábamos por etapas. Rindió mucho porque como la estudiantina tiene una disciplina muy estricta en la cuestión de ensayos eso hace que rinda mucho, entonces poco se demoraba la grabación en el sentido de que ya era tanto el estudio de las obras que en poco tiempo se dejaba grabado un tema.

E. G.: Para nosotros fue la primera experiencia grabando. Fue muy interesante. Los nervios nos hacían pensar en que no puedo tocar aquí, que no puedo tocar allá, que cuidado con la silla,  pero lo que dice el maestro que la preparación y la disciplina con los ensayos hace que avance…

J. E. S.: Y hay otra cosa y es importante y es que la estudiantina ha madurado de tal manera de que ese mito que había cuando empezamos de que “yo surrungiaba” o “es que me da miedo”; ya eso ha pasado, ahora ellos están tranquilos cuando se presentan, tocan. Ya ha habido una evolución muy grande en eso entonces ya la estudiantina no se puede catalogar como hace unos cinco o cuatro años atrás, donde tocábamos para “ver si tocábamos bien”. No, ya es tanto el trabajo que se ha hecho con tanto esmero que las personas se quitaron ese léxico de encima: “estamos comenzando”, “somos viejos”, “yo no sabía pero ahora estoy empezando gracias al maestro”, pero cuál gracias al maestro, es gracias a su trabajo. Eso en la estudiantina ya lo hemos superado.

La estudiantina puede llegar a mostrarse muy bien y presentar un buen trabajo de la música andina colombiana. Además, tú sabes John, cómo es el recorrido del agua con la música andina colombiana. Esta música es bastante delicada para interpretarla bien; además que está muy bien escrita y yo siento que la estudiantina toca con mucha altura esa música.

Ha habido una estigmatización que dice: “loro viejo no aprende a hablar”, es más, en la investigación que hago hay un articulo publicado en una revista (revista Creadores, N° 5 de enero de 2012, Bogotá, Colombia) que se titula “El loro viejo si aprende a hablar”. Eso marcó mucho al estudiante adulto mayor que llegó a la academia Voces y cuerdas.

E. G.: Paralelamente a los parciales que hacemos…

J. J. O.: ¿Cómo son esos parciales y las dinámicas de estudio?

E. G.: Hay un estudio individual, hacemos parciales por instrumento y está el ensayo general. El interés es tanto que la gente dice: bueno, cuándo vamos a ensayar y cuadramos, y siempre en la semana debe haber un ensayo.

J. J. O.: ¿Cómo coordinan los horarios, pues todos tienen otras profesiones y es difícil cuadrar los tiempos?

E. G.: Ahí logramos coordinarlos. Por ejemplo, las guitarras ensayan los jueves, los tiples ensayan los martes. Cada cual coordina de acuerdo a su tiempo…

J. E. S. : …y todos saben que al final de la semana, el viernes, hay ensayo llueva o truene .

E. G.: paralelamente a esos ensayos todo el mundo sigue con su proceso académico. Entonces unos siguieron en la Academia Luis A. Calvo, otros seguimos en la academia del maestro Santoyo, entonces ha habido un avance en técnica; por ejemplo en mi caso, en el golpe de la mano derecha. Me siento más segura. Eso ha subido mucho el nivel del grupo.

J. J. O.: ¿Cuáles son los proyectos con el disco?

J. E. S.: Mostrar el disco. Darlo a conocer en las diferentes emisoras cosa que no sabemos cómo hacer. Porque hemos hecho la tarea y no nos llaman. Necesitamos que varias emisoras nos escuchen. Estamos en el proceso de publicitar en diferentes sitios y en los diferentes festivales, encuentros y concursos a nivel nacional. En esa tarea estaremos de aquí en adelante: mostrar el disco y ojalá en vivo.


La Estudiantina Monserrate está conformada por: Laura Bohórquez, Rubén Dario Avila, Melva Guzmán, Rodrigo Yate, Zilia Moreno y Bernardo Garnica, en las bandolas; Hernán Carrizosa, Elizabeth Gonzáles en los tiples; Clara Inés Isaza, Blanca Torres, Ines Neira en las guitarras y Julio Ernesto Santoyo en la guitarra y dirección. Para mayor información sobre la Estudiantina Monserrate dar click aquí o al 310 2567148.


Audio.
Monserrate es un pasillo composición de Julio Ernesto Santoyo, director de la Estudiantina Monserrate en homenaje a la misma.  

Tierra Mia 2012, la gira del Dueto Albur por Suramérica

Wilbert Alarcón y Emilse Mora, dos colombianos que con un trabajo de 12 años de investigación y exploración las músicas de la región andina colombiana con músicas suramericanas han podido figurar en los más importantes escenarios de países como: Ecuador, Perú Argentina Chile y Uruguay; nos concedieron esta entrevista en donde hablan de su más reciente gira llamada "Tierra Mia, 2012", también hablan de su historia como dueto, de sus tres producciones discográficos, además de un adelanto de su cuarta producción y que estará lista dentro de poco. 

John J. Osorio V.: Ustedes llevan 12 años de vida artística. ¿Cómo es tener y mantener un dueto en el país de duetos como Garzón y Collazos o Silva y Villalba?

Emilse Mora: La ventaja para nosotros fue comenzar con nuestra música tradicional; porque fue con ella con la que cultivamos nuestros gustos desde muy pequeños, nacimos con eso y pues por ese lado fue un poco más sencillo porque ya teníamos la atención y veníamos escuchando esta música. Entonces sale algo muy natural. Ya más adelante cuando empezamos a incorporar el resto de músicas tradicionales de los países suramericanos fue investigando, buscando la música.

Lo primero que hicimos fue escuchar las grabaciones y las interpretaciones de otros músicos y más adelante surge la inquietud de ir a esos lugares y conocer la música allá donde se hace. Ese fue el tránsito.

Wilbert Alarcón: Creo que para nosotros no fue tan difícil tomar la decisión del tipo de música que queríamos hacer. Pues es la música que más nos gusta y que nos mueve, la que siempre hemos escuchado entonces eso hizo que no fuera una decisión tan difícil.

J. J. O.: Esto es una pregunta obligada para los que no los conoce. ¿Qué significa albur y por este nombre?

W. A.: Albur significa casualidad, coincidencia, azar. El nombre lo escogimos porque cuando empezamos a trabajar vimos como una casualidad que nos conociéramos y nos gustara el mismo tipo de música y pues luego sólo fue comenzar a trabajar con este tipo de música.

J. J. O.: Ustedes ahora promocionan su cuarta producción discográfica pero hablemos un poco de esas tres que la precede.

E. M.: El primer disco que hicimos fue en el 2006. El disco se llama tiempo de vivir. Fue un disco que grabamos en Bogotá con el maestro Alexander Cuesta Moreno. Esta fue la primera experiencia de grabar como dueto. Fue un poco complicado pero se aprende muchísimo; en ese momento fue el descubrir muchas cosas y durante todo ese proceso es cuando uno va tocando puertas y va teniendo un concepto más solido de lo que uno va haciendo en el camino.

La segunda producción fue en 2008 en San Juan, Argentina. Esta producción la hicimos con el maestro Rolando García Gómez y en su estudio hicimos esta grabación; explorando un poco la música directamente la música argentina, estando allí y aprender un poco más su estructura, su estilo. Hay ritmos que varían de pendiendo también de si mismo. Por ejemplo una chacarera, hay chacarera doble y más, y esas cosas. Uno va escuchando las características: como va el bombo, la parte protagonista y esas son las cosas que ha medida que uno va entrando a estos lugares se da cuenta. Bueno, hasta ahí el segundo disco. La tercera producción discográfica la grabamos en Cusco entre el 2010 y 2011 y eso es en resumen las primeras tres producciones.

J. J. O.: Bueno, ahora hablemos de la cuarta producción que es la que están promocionando.

E. M.: Vamos adelantando un poquito de lo que tiene. Llevamos más o menos ocho años viajando constantemente y recolectando un material que para nosotros es valiosísimo con el cual hemos tenido contacto directo con los autores, los compositores, los músicos y ha sido algo… de mucha complicidad tanto de ellos como de nosotros; ellos, en confiar en nuestro trabajo y en entregarnos sus creaciones y nosotros con el compromiso de bien todo esto. Entonces estamos en ese proceso. Entonces estamos en la preproducción: pensando los arreglos, viendo la composición de cada tema, la musicalización, la instrumentación y se viene un disco que es totalmente inédito pero con la intención de que sea con autores latinoamericanos.

J. J. O.: Ustedes adelantan en la actualidad la gira “Tierra Mía, 2012” que los ha llevado a países como Chile y Uruguay. Cuéntenos cómo ha sido esta experiencia.

W. A.: El nombre de la gira fue tomado de un tema inédito de esta recolección de temas que hemos hecho para este disco de un compositor argentino y su nombre es Martín Alleman y Rafael Escudero.

En este momento estamos en Uruguay, fuimos invitados a la 87 versión de la Fiesta de la Patria Grande, una de las fiestas más importantes que tiene Uruguay. Es una fiesta de mucha tradición y pues es la tercera vez en que tenemos la oportunidad de estar esta celebración tan importante.

J. J. O.: ¿Cómo recibe la gente la música andina colombiana en este país?

W. A.: Muy bien. Desafortunadamente nuestra música no es tan conocida; de pronto se conoce más de cumbia y vallenato, pero el más comercial, no el vallenato viejo sino el comercial; la música del interior no la conocen. Entonces es bonito ver que uno canta un tema y la gente pregunta: eso qué ritmo es, y uno le cuenta y eso es gratificante, poder hacer esa labor.

J. J. O.: ¿Cuándo estará el Dueto Albur en Colombia?

E. M.: nosotros tenemos planeado retornar los primeros días de junio. Estamos tratando de organizar los conciertos en Colombia. Nos pasa algo muy curioso: siendo colombianos no tenemos una gran difusión en Colombia. Hemos estado un poco perdido de la escena musical colombiana pues porque estuvimos radicados siete años en Ecuador que es como nuestra sede y este año decidimos estar más presentes en nuestro país, comenzar la difusión de nuestra labor musical allá en Colombia. Ha sido un poco complicado porque en arrancar a golpear puertas y todo lo que implica hacer una difusión del trabajo; pero si se han hecho cosas, estuvimos el año pasado en la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, hemos estado pendientes de unas convocatorias y esperando otras propuestas. En agosto tenemos una gira muy especial que haremos en Colombia con unos músicos argentinos que irán a visitarnos y vamos a estar en diferentes escenarios, uno de ellos es el auditorio del Museo Nacional, en el Festival Bandola (Sevilla, Valle). Haciendo una pequeña gira en el país pero más adelante les iremos confirmando fechas.  

En la actualidad del Dueto Albur se encuentra dando recitales en Buenos Aires, Argentina. Para más información sobre el Dueto Albur puedes ingresar a los siguientes links : 

http://www.myspace.com/duetoalbur

http://www.reverbnation.com/duetoalbur

http://www.facebook.com/duetoalbur

http://www.twitter.com/duetoalbur

http://www.youtube.com/user/duetoalbur

http://www.duetoalbur.blogspot.com

https://www.facebook.com/pages/DUETO-ALBUR/128440678443?__adt=5

Audio. 

Bambuco de Ana Maria Naranjo en interpretación del Dueto Albur. 

Acerca del IV Encuentro Nacional de Tiple Solista.

Escrito por Fredy Martinez.

El miércoles 12 de abril finalizó el IV Encuentro Nacional de Tiple Solista de la Universidad Pedagógica Nacional (UPN). Durante tres días se reunieron en Bogotá músicos de todo el país para compartir sus trabajos artísticos y su actividad docente alrededor del tiple.

En esta ocasión el evento contó con la presentación de los más recientes  trabajos discográficos de dos importantes intérpretes del tiple: Gustavo Adolfo Rengifo, reconocido tiplista vallecaucano, y Ricardo Londoño de Bogotá con su producción “Tiplero Siempre”.  Dos generaciones, dos escuelas diferentes, dos maneras de ver el tiple pero el mismo deseo de aportar y de enriquecer la música para tiple solista. 

Para seguir leyendo dar click aquí. 

IV Encuentro Nacional de Tiple Solista.

Desde el próximo 9 de abril y durante tres días Bogotá será el epicentro de "la reunión más grande de tiplistas de la historia". 


Con una programación que incluye conciertos, talleres, charlas; este encuentro llega a su cuarta versión reuniendo a los más importantes exponentes de este instrumento junto a los nuevos talentos.


Los amantes de este instrumento y el público en general podrán acceder a todas las actividades de manera gratuita. Para los que quieran registrarse en los talleres y tener una acreditación podrán hacerlo previa inscripción en el correo andotipleando@yahoo.com o al teléfono 3108675852.


Para mayores informes de conciertos y talleres dar click aquí.


Video.

Repercusión, el nuevo trabajo de Colombita.

Fotografía (cc) Mario Carvajal. 

Colombita promociona por estos días su nueva producción discográfica titulada Repercusión. Esta es su cuarto trabajo y en esta ocasión presentan un nuevo formato y un nuevo repertorio que aborda músicas de diferentes regiones del país. En entrevista con nosotros hablaron de los detalles de este disco. 


John J. Osorio: Ustedes viene de tres producciones discográficas con un formato de trío típico colombiano. ¿Cómo fue ese camino para llegar hasta lo que hoy es Colombita?

Sofía Helena Sánchez: Nosotros en el 2006 cuando grabamos Colombitis, nuestra tercera producción musical, incluimos un tema que se llama Suite Tairona, que fue nuestra primera incursión en los ritmos de la zona norte de Colombia, y en ella ,lo que hicimos fue percutir sobre los instrumentos: en las tapas, en las cuerdas, los aros; con algunas pulseras. Así era como lográbamos traer las percusiones de esa región y que son casi obligadas por ejemplo en una cumbia, un chandé o un mapalé.

Yo nací en la ciudad de Santa Marta. Sentía que tenía que traer la música con la que crecí a este grupo de cuerdas. No sabía cómo pero al final, obviamente, con la complicidad de mis compañeros y creando una obra dedicada a mi tierra, creo que lo logramos. El pulso nos hacía falta. Hicimos una vez un experimento con percusiones. Siempre quisimos meter la percusión, pero no encontrábamos el camino.

Hace dos años se retira uno de los integrantes y decidimos que, en lugar de remplazar el tiple por un instrumento igual, metiéramos las percusiones y en eso estamos hace dos años. Entonces lo que fue un sueño hace algún tiempo ahora  es una realidad y no sólo estamos incluyendo las percusiones en los ritmos de la costa sino que lo estamos haciendo en los otros ritmos que asumimos de todas las regiones del país.

J. J. O. Este es un nuevo formato no muy común dentro de la música colombiana. ¿A qué y a quién le apunta este formato?

Dora “Corita” Rojas: Después de trabajar tantos años, sobretodo los que hacemos parte de la base de Colombita, no sólo de los diez años dentro del formato de trío tradicional sino de lo que traíamos previamente de nuestros recorridos artísticos y queríamos otras cosas. Entonces es un poco la consecuencia de, no solo dominar ciertas músicas y ciertas maneras de interpretarlas, sino que era abordar otras que también son parte de los retos actuales de los músicos: involucrarse con otros estilos y con otras tendencias que por supuesto demandan estudio e investigación. Entonces para nosotros, como lo decía anteriormente Sofia, no sólo fue un trabajo de exploración que se hizo a nivel tímbrico, instrumental, compositivo en nuestro formato, sino que creemos que las músicas del interior y más que esto el desarrollo de la música nos lleva a abrirnos, y el abrirse responde a otras dinámicas de sostenibilidad de los proyectos: no sólo es avanzar en tu estudio, es que tu trabajo está también en función de esas búsquedas y de la innovación. Entonces a qué le apunta. Le apunta a crecer, a una cosa muy clara que ha sido, sobretodo con la bandola, asumir otro tipo de repertorio y otra manera de tocarla, porque la guitarra es internacional lo mismo que las percusiones. Le apunta a trabajar las músicas tradicionales en otro ámbito, revaluadas y que está en mucha discusión, que es la wolrd music. Es traer esas cuerdas desde los ritmos colombianos hacia un escenario mucha más global.

J. J. O. El disco tiene un repertorio variado. Hablemos de la selección y el porqué del repertorio.

S. H. S.: El repertorio se divide en varias partes. Cuando quedamos bandola y guitarra el primer paso fue reducir lo que ya teniamos para bandola, tiple y guitarra, en esos dos instrumentos. Es un trabajo bastante complicado y muy exigente. Es decir, para Corita y para mi se duplicó el nivel de dificultad, de responsabilidad para no dejar hueco en el tiple, que es un instrumento que llena mucho en la música: es el registro medio, es el que da el rasgeo, es el "platilleo"; es lo más percutido del formato de bandola, tiple y guitarra. Entonces cuando vimos que funcionaba, que lo habíamos logrado, pues duramos mucho tiempo tocando las dos. Empezamos a inventarnos la percusión. Inventarnos es porque hubo varios intentos, varios percusionistas, varios tipos de instrumentos, varias estéticas. Cada percusionista que participó en la primera etapa traía un mundo diferente, una experiencia diferente, un sentir distinto. Eso fue un tránsito bien interesante pero fue un tránsito hasta llegar a lo que somos hoy en día.

Ahora viene una segunda etapa que es la música pensada desde la percusión: bandola, guitarra y percusión. Lo otro es el tipo de repertorio. Estamos mirando que músicas no hemos trabajado para empezar a estudiarlas y para empezar a analizarlas y probar cómo vamos a incorporarlas a este formato.

J. J. O.: Sofía, tú sostienes en gran parte lo musical. ¿Cierto?

S. H. S.: Yo hago las versiones bandola y guitarra. Claro, las reducciones. Hay una cosa que me gusta mucho de Colombita y es que puedo componer para mi grupo; ellos son mis cómplices en la composición y puedo proponer y ellos siempre me dicen que sí por muy absurdo que sea. Recuerdo que cuando le dije a Corita: hagamos Avispa (ir a audio al final de la entrevista), que es algo de San Andres Islas, ella me dijo: dale. Yo le dije: es que esto lleva carraca de burro y el tinajo. Los bajos son algo clave. Qué percusión lleva eso porque por supuesto no podemos traer el formato con la percusión de cada género porque tendríamos un set de un cargar en un camión. No se puede, entonces tiene que ser con los instrumentos que tenemos intentar hacer la adaptación de la percusión. Siempre es un reto. Porque es cierto que hay música que uno ya conoce, y más o menos sabe cómo funciona, pero en la que no conoces y no se ha escrito es donde uno realmente siente que puede utilizar, o debe utilizar la creatividad al máximo y los recursos de la escucha y todo lo demás para poder lograr esos resultados.

J. J. O. Diego, hablemos de la presencia de la percusión en el formato de Colombita. ¿Cómo ha sido ese proceso visto desde el percusionista?

Diego Cadavid: En el momento en que entré a Colombita la propuesta era trabajar con percusiones que no fueran colombianas. A eso es a lo que me he dedicado últimamente: percusiones de diferentes lugares del mundo, de África, percusiones árabes, brasileras, latinoamericanas, celtas. El trabajo consistió en pasar los ritmos colombianos a estas percusiones, buscar los sonidos parecidos de los tambores. Como dijo Sofi, no nos podíamos traer los tambores típicos de cada región entonces la idea era buscar tímbricas, colores que se asemejaran a esos instrumentos tradicionales colombianos pero en un formato más pequeño. Mi set es de tambores pequeños, en eso consiste, en darle el color y una sonoridad distinta pero manejando los ritmos colombianos en ellos.

Cada instrumento de estos tiene una técnica distinta. Esta la técnica árabe que utiliza más los dedos, lo mismo que la técnica hindú. Ya en la técnica africana se utiliza más las manos al igual que en la brasilera. Pero combinando todo, puedo tocar el pandeiro con técnica árabe o en otro momento lo puedo tocar con la técnica que se utiliza tradicionalmente. El bodhrán no lo uso con la técnica que utilizan en Irlanda sino que lo hago con la mano. Es buscar los colores dependiendo del tema; cada uno pide una cosa distinta. Por ejemplo, cuando grabé Sofi me decía: este tema siento que es cálido, o siento que este tema es más frío, como la Guaneña, que viene de Nariño que es una región fría. Entonces se busca el instrumento que dé ese ambiente. Lo mismo pasa con los temas de la costa o un tema como La Cañada, que evoca el agua, ahí utilizo el udú.

J. J. O. Corita, ¿cuáles son los proyectos a mediano y largo plazo?

D. C. R.: Para que un grupo exista durante 12 años se requiere de muchas estrategias. Nosotros hemos tenido que establecer un equilibrio entre aquello que estamos explorando e investigando y que es parte de nuestro trabajo más interno a otro tipo de trabajos que también son importantes y que están en función de ciertos contextos; a qué me refiero, a que nuestro grupo, en lo netamente musical, ha tenido unos logros importantes pero también hemos tenido que mantener muchas cosas tradicionales dentro de lo que fue en su momento el formato. Ahora, cuando este cambia tenemos unos retos, porque si bien seguimos en función de las músicas tradicionales, y ahora mucho más que antes, este formato nos permite volver a otras músicas que no habíamos estudiado y  retomarlas, desmenuzarlas y hacer nuestras propias versiones, ejemplo de esto es la música llanera, la música de las costas e inclusive la misma música  andina pero no la de núcleo en que nosotros veníamos; ese núcleo tan académico y estandarizado desde ciertos parámetros como la partitura y los arreglos sino otro tipo de cosas.

Eso nos lleva a que ahora este trabajo tenga un momento  de difusión importante pero también a que estemos trabajando un repertorio nuevo. Es curioso, uno se gasta un año haciendo el disco y realmente ahora entramos a hacer la promoción de este, pero nuestra etapa más importante está en otros repertorios que son los que estamos estudiando y trabajando en este momento. La idea es a un mediano y largo plazo abrirnos a otros escenarios internacionales y seguir explorando.

Algo que nos ayudo mucho en este proceso de cambio es el entender que siempre  estamos estudiando, siempre necesitamos estar renovándonos y siempre necesitaremos permanecer y esa permanencia significa darle un espacio importante a este laboratorio interno que va nutriendo todo lo que sale: los conciertos, lo que hacemos con los invitados, las propuestas para festivales alternativos, que es lo que estamos buscando ahora, no sólo músicas tradicionales sino abriéndonos a otro festivales que no sólo es de world music, conectándonos con ese desarrollo actual que hay de la música tanto en nuestro país como afuera. Esto que hacemos es valido y tiene un sentido para nosotros pero también debe tener un sentido a un nivel mucho más amplio y eso es lo permite que haya una proyección y un movimiento que nos impulse hacia adelante, que nos dé gasolina.

J. J. O.: En el disco hay una presencia nutrida de músicos invitados ¿cómo fue esa experiencia de grabación con ellos?  

S. H. S.: Fue bonito porque están las personas con quienes empezamos a trabajar con la percusión de Colombita, y que son: Deborah Miranda, que es una percusionista brasilera y su esposo Juan Manuel Vergara “Primo”; ellos tienen en la ciudad de Bogotá una fundación que propende por toda la cultura brasilera: capoeria, samba, música, bueno, de todo. Con ellos dos hicimos una primera parte. Con Deborah una primera parte de Colombita y por supuesto sentíamos que su presencia era un agradecimiento a todo lo que ella entrego en esa primera etapa del grupo.

Está Pedro Ojeda, que fue el segundo percusionista que toco en Colombita y con quien estuvimos en el Festival Centro y en conciertos privados; él es el hombre del afro beat. Es un persona con una técnica y de una corriente bien interesante; gran compositor, con una propuesta propia y original, un estilo de tocar bastante particular y mucha experiencia y ya que él nos acompañó en la segunda etapa era interesante que quedara consignado su sentir en esto porque también ayudó muchísimo.

Está Omar Fandiño “El Choco”. Al abordar músicas llaneras, de alguna manera en el disco teníamos que tener las maracas, aunque en vivo no la tenemos; la tenemos eventualmente cuando invitamos a alguien. Omar es una persona muy querida por nosotros y muy respetada; él a hecho parte de innumerables trabajos discográficos en todas partes. Es una persona muy creativa que a través de su música y de su grupo promueve y hace una propuesta solida e interesante en la música llanera.

Y dos personas que hicieron un sueño particular de Corita y mio. El sueño de Corita con las músicas llaneras era alternar con la bandola llanera, un instrumento que nos llama poderosamente la atención, que nos gusta mucho. Invitamos a Juan Carlos Contreras. Corita tomó la decisión de invitarlo a hacer un dúo: bandola andina y bandola llanera. Eso es un sueño cumplido de hace muchos años. Y yo, pues un sueño de alternar con un guitarrista eléctrico, metalero de catorce años, que es mi hijo. Una persona con la que he compartido y convivido los últimos quince años de mi vida y él ha aprendido muchísimo de las músicas tradicionales colombianas. A pesar de que hacemos música todo el tiempo juntos nunca habíamos grabado juntos, esta es la primera grabación que hacemos los dos, cada uno en su técnica y su estilo pero eso me parece de las cosas más bonitas que he hecho en la vida: es tocar con mi hijo. 


Audio.
Avispa, Souk de Orlin Grenard en versión de Sofía Helena Sanchez. Invitado especial Pedro Ojeda en la batería y voz.